DEEP CINEMA

El Lincoln Center de Nueva York se convertirá el 20 de abril en una extensión de Disney+. No es una metáfora. La plataforma transmitirá en vivo, en su idioma original, la premiere global de El diablo viste a la moda 2, con arranque a las 3:30 pm, y después dejará el evento disponible para revivirlo bajo demanda.

Hay familias televisivas que terminan una serie y se retiran con cierta dignidad hacia la sindicación, ese paraíso donde uno reaparece a la hora de la comida y alguien comenta “qué buena era” antes de seguir con su vida. Y luego están los Wilkerson, que nunca parecieron diseñados para la dignidad en primer lugar.

La expansión de una tienda casi nunca parece noticia hasta que la tienda en cuestión no vende solamente productos, sino pertenencia, memoria y la fantasía bastante rentable de que una infancia entera cabe en una bolsa de compra. Disney Store abrirá dos nuevas sucursales en México, el 9 de abril en Parque República, Querétaro, y el 23 de abril en Galerías Monterrey, en alianza con Liverpool, con lo que la marca alcanzará cuatro tiendas en el país y seguirá consolidando una presencia física que, hasta hace no mucho, parecía reservada a vitrinas lejanas, aeropuertos afortunados o viajes que exigían más presupuesto que nostalgia.

Dos episodios ya están arriba, y eso basta para confirmar que Lucasfilm no tenía ninguna intención de tratar a Maul como reliquia de colección. En Star Wars: Maul – Lord de las Sombras, estrenada en Disney+ con una premiere de dos episodios y un calendario de dos capítulos nuevos cada lunes hasta el cierre del 4 de mayo, el antiguo Sith vuelve no como eco de La amenaza fantasma, sino como protagonista absoluto de una serie animada que lo encuentra intentando reconstruir su sindicato criminal en un planeta todavía no absorbido del todo por el nuevo orden imperial. La elección es significativa: Maul siempre fue demasiado obstinado, demasiado útil y demasiado carismático para quedarse en la vitrina de los grandes villanos caídos.

6,3 millones es una cifra bastante útil para medir cuánta electricidad sentimental sigue circulando por el cuerpo de una franquicia. Ese fue el volumen de visualizaciones que consiguió el especial por el 20° aniversario de Hannah Montana entre Disney+ a nivel global y Hulu en Estados Unidos después de sus primeros tres días en streaming. Dos décadas después del estreno de la serie, el dato no habla solo del rendimiento de una pieza conmemorativa: habla del tamaño real de una marca que ya no pertenece únicamente al archivo de Disney Channel, sino a esa zona mucho más rentable donde la memoria generacional, la música, el merchandising y el algoritmo aprenden a trabajar juntos.

El traje rojo aparece rociado de negro. No es un capricho cosmético ni una travesura de vestuario para vender una nueva línea de figuras de acción, que ya bastante sabe Marvel de ese negocio. Es una declaración de guerra táctica. En la segunda temporada de Daredevil: Born Again, Matt Murdock ya no se mueve por una Nueva York hostil pero todavía reconocible, sino por una ciudad tomada, vigilada y disciplinada por el régimen municipal de Wilson Fisk, que ahora gobierna desde la alcaldía con esa mezcla de brutalidad, convicción mesiánica y ego herido que convierte a ciertos villanos en algo peor que criminales: administradores. El resultado es que Daredevil deja de ser una amenaza abstracta para el sistema y se vuelve, literalmente, enemigo público número uno.

Dieciocho premios Emmy no son exactamente una felicitación: son una carga. Desde que la primera temporada de Shōgun arrasó con la temporada de premios y se convirtió en la primera serie de FX en ganar el Emmy a Mejor Serie Dramática, la pregunta dejó de ser si habría continuación y pasó a ser otra, bastante más incómoda: cómo seguir una obra que ya entró al canon reciente de la televisión sin parecer una réplica de sí misma. La respuesta, al menos por ahora, empieza con movimiento de piezas.

32 millones de reproducciones en siete días ya no describen solo el estreno fuerte de una película; describen la velocidad con la que una franquicia deja de comportarse como contenido y empieza a operar como infraestructura emocional. Eso fue exactamente lo que consiguió Zootopia 2 en su primera semana en Disney+, donde se convirtió en la película número uno de la plataforma a nivel global. Más aún: sumada a Zootopia y Zootopia+, la saga acumula ya más de 885 millones de horas reproducidas en todo el mundo, una cifra que no habla de entusiasmo pasajero sino de permanencia, de repetición y de esa forma particularmente rentable del cariño que en streaming se mide por horas y no por aplausos.

A Paradise le bastó una temporada para cometer una de esas operaciones que la televisión contemporánea ejecuta cada vez con menos frecuencia y, cuando le salen bien, protege como si fueran uranio enriquecido: hacer creer que estaba contando una cosa para luego revelar que estaba contando otra.

El mito de Spider-Man casi siempre ha estado ligado a la juventud, al vértigo del descubrimiento y a esa energía luminosa que convierte la tragedia en impulso heroico. Spider-Noir toma el camino contrario. En lugar de mirar al personaje desde la velocidad, lo arrastra hacia el cansancio, la noche y la derrota. No quiere preguntarse cómo nace un héroe, sino qué queda de él cuando la ciudad ya no cree en la justicia y el pasado pesa más que cualquier promesa de redención.

A estas alturas, Claire y Jamie Fraser ya no son solo una pareja televisiva. Son una de esas instituciones sentimentales que la industria consigue fabricar muy de vez en cuando, cuando una serie encuentra el punto exacto entre melodrama, épica histórica y obstinación romántica. Ocho temporadas después, con guerras, viajes en el tiempo, pérdidas familiares, separaciones, reencuentros y suficientes desgracias como para hundir varias sagas menos resistentes, Outlander se dispone por fin a cerrar. Disney+ estrenará en Latinoamérica la octava y última temporada el 7 de marzo, con dos episodios de arranque y luego un nuevo capítulo cada sábado, una decisión que no solo organiza el calendario de los fans, también administra con cierta crueldad elegante el final de una serie que lleva años entrenando a su audiencia en el arte de esperar y sufrir.

El encanto de El Caballero de los Siete Reinos no está en la escala del apocalipsis, ni en la guerra de dinastías, ni en el rugido de los dragones que convierten a Poniente en espectáculo de catástrofe. Su fuerza nace de algo más raro dentro del universo de George R. R. Martin, la modestia del camino, el polvo en las botas, el honor precario de un caballero errante y la extraña intimidad que se forma entre dos viajeros que todavía no saben el tamaño de la historia que los espera. Quizá por eso la gran pregunta tras su primera temporada no sea quién se sentará en el Trono de Hierro, sino cuánto tiempo nos dejarán seguir andando junto a Dunk y Egg.

En You Me in Tuscany (Italia-EE.UU. para salas, 2025), debut en el largometraje del realizador Claudio Norza, con guion de Rebecca Sonnenshine, la joven estadounidense de ascendencia afrolatina Zara (Halle Bailey, fresca y luminosa desde La Sirenita de Halle Bailey-Marshall 23) se adentra por error o por destino en el corazón de una familia toscana disfuncional y suntuosa, haciéndose pasar ante ella por la prometida de alguien que no conoce, para acabar enamorándose —con la inevitable y perfecta geometría romántica que el género ha cincelado desde Historias de Filadelfia (Cukor 40)— del hermano equivocado, encarnado por Regé-Jean Page, actor dotado de ese carisma escénico raro que no se fabrica en los talleres del guion sino que emerge directamente de los poros, y que ya demostró en Los Bridgerton (Netflix 20-) ser capaz de sostener escenas enteras con la sola arquitectura de su presencia.

Esta pelicula es oscura, retorcida, divertida cuando quiere serlo y devastadora cuando decide quitarte el aire. Tiene un tono que puede ser gracioso, incómodo, siniestro y profundamente triste en la misma escena sin que se rompa nada. Y tiene un director, Curry Barker, que entiende que el horror más fuerte no siempre está en el susto sino en la consecuencia. En ver cómo un deseo aparentemente romántico se convierte en una condena.No es solo una película sobre magia que sale mal. Es una película sobre lo peligroso que puede ser llamar amor a lo que en realidad es necesidad, posesión y miedo a estar solo. Y si alguna vez confundiste amar a alguien con querer que esa persona existiera solo para ti, esta película te va a pegar donde no esperabas.

Con tanta ternura acumulada y tanto dolor que no se anuncia, que a los veinte minutos ya tenía un nudo en la garganta.

Sin duda una de las experiencias más hipnóticas, brutales y descomunales que puede ofrecer una biopic musical reciente, porque hay momentos en los que Michael deja de sentirse como una simple interpretación y empieza a operar como una aparición, como si Jaafar Jackson no estuviera encarnando a Michael Jackson sino siendo atravesado por él, poseído por su energía, por esa manera irrepetible de quebrar el cuerpo, de mirar con una mezcla de fragilidad, magnetismo y dolor, de moverse como si el ritmo no viniera de la música sino de una corriente más profunda, más extraña, más grande que cualquier escenario. Esta es la historia de cómo una de las figuras más gigantescas que ha dado la cultura popular moderna es convertida en espectáculo cinematográfico a través de una película que entiende perfectamente la dimensión mítica de su protagonista, la escala sobrenatural de su presencia, y que por eso mismo no intenta reducirlo a la comodidad de una biografía convencional, sino elevarlo al terreno donde pertenecen las leyendas, los íconos absolutos, los nombres que no solo marcaron una época sino que prácticamente la redefinieron.

Hay franquicias que llegan a una segunda entrega con el único objetivo de repetir la fórmula, subir el volumen, agregar más colores, más personajes, más ruido, y confiar en que el entusiasmo previo haga el resto. Super Mario Galaxy hace algo un poco más interesante. Sí, es más grande, más rápida, más luminosa y más aparatosa que la primera, pero también entiende que llevar a Mario al espacio no consistía solo en cambiar el fondo del Reino Champiñón por un firmamento lleno de estrellas. Había que encontrar una nueva escala, una nueva sensación de aventura y, sobre todo, una nueva forma de traducir al cine ese asombro infantil que siempre ha acompañado a los mejores juegos de Mario, esa impresión de que detrás de cada puerta, de cada tubo y de cada planeta diminuto puede esconderse una idea visual encantadora o una trampa con sonrisa.

Hay películas que uno no ve, sino que aprende a ver dos veces. La primera, dejándose arrastrar por la maquinaria del relato, por la eficacia del dispositivo, por el espectáculo que avanza con la seguridad de quien sabe perfectamente cuándo debe apretar y cuándo conviene respirar. 

Había una manera bastante obvia de presentar El diablo viste a la moda 2: alquilar un hotel impecable, encender unas luces blancas, desplegar un photocall y dejar que el reparto hiciera lo que las estrellas hacen cuando una secuela millonaria necesita recordar que existe. 20th Century Studios eligió otra ruta. Mandó a Meryl Streep y Anne Hathaway a la Casa Azul, luego al Anahuacalli, y convirtió el arranque del tour global de la película en una operación donde la moda, el museo, la celebridad y el patrimonio cultural mexicano quedaron cosidos dentro del mismo vestido promocional. La primera parada del recorrido mundial de la secuela ocurrió en Ciudad de México el 31 de marzo, con visita al Museo Frida Kahlo “Casa Azul” y al Museo Anahuacalli, antes de un desfile especial ligado a la película.

El 10 de marzo dejó de ser hace tiempo una simple fecha simpática para fanáticos del fontanero y se convirtió en una demostración bastante seria de cómo una franquicia puede infiltrar el calendario cultural con la naturalidad de quien ya se sabe dueña del imaginario colectivo. Este año, en la Ciudad de México, Mario Day no se celebró con un post conmemorativo ni con una promoción tímida, sino con algo mucho más acorde al tamaño de la marca, una proyección monumental sobre la fachada del Museo Soumaya, marimba en vivo y una convocatoria lo bastante calculada como para reunir a fans, celebridades, medios, líderes de opinión y creadores de contenido bajo una misma galaxia promocional.

Hay personajes que nunca desaparecen del todo, solo esperan el momento exacto para volver a ser invocados. Tinker Bell, o Campanita, pertenece a esa categoría. No es únicamente un rostro clásico de la animación de Disney, es una figura que lleva décadas flotando entre la nostalgia, la iconografía de marca y la promesa de una fantasía que el estudio nunca ha dejado de explotar. Por eso su regreso no se siente como un movimiento menor del catálogo, sino como otro intento de Disney por reorganizar su propio panteón.

Cuando parecía que el cine de animación comercial ya había exprimido hasta el cansancio la máquina de la nostalgia, Mario encontró una ruta de escape hacia algo más grande, el cosmos. No se trata solo de otra secuela diseñada para repetir una fórmula rentable, sino de un movimiento más ambicioso, llevar al personaje más reconocible de Nintendo hacia una escala visual y emocional donde el espectáculo ya no depende del recuerdo, sino de la expansión del mito.

Hay personajes que no envejecen, se petrifican en la memoria colectiva. Conan es uno de ellos. No pertenece solo al cine de fantasía, pertenece a una era en la que los héroes parecían tallados en piedra, sudor y violencia ritual. Por eso la idea de verlo regresar no suena a simple secuela, suena a invocación.

Scarlet, hija de un rey medieval asesinado tras una traición palaciega, cae también en la maquinaria de esa usurpación y termina envenenada, suspendida en un territorio intermedio entre la vida y la muerte. En ese mundo espectral, donde el tiempo no es lineal y donde conviven seres de épocas distintas, inicia una travesía guiada por el deseo de venganza y por la necesidad de regresar a su reino para ajustar cuentas con el tío que ha ocupado el trono. En ese recorrido se cruza con un joven enfermero procedente del Tokio contemporáneo, figura desplazada dentro de un universo regido por la guerra, la destrucción y la lógica del rencor. A partir de ese encuentro, la película intenta articular una reflexión sobre el odio heredado, el ciclo de la violencia y la posibilidad de elegir quiénes somos frente al peso de nuestra sangre, nuestra época y nuestras heridas.

La mirada femenina en el anime dejó hace tiempo de ser un adorno, un contrapunto romántico o una presencia secundaria condenada a orbitar alrededor del héroe. Hoy sostiene mundos, rompe estructuras, piensa mejor que todos los demás y, en muchos casos, carga sobre los hombros el verdadero peso emocional de las historias. Por eso la nueva colección curada por Crunchyroll no se siente como una simple vitrina temática de marzo, sino como una manera bastante clara de admitir algo que la industria ya venía diciendo a su modo, muchas de las protagonistas más vivas, complejas y memorables del anime contemporáneo son mujeres.

Enamorarse se siente como vivir con el cuerpo un poco descompasado. Como si el corazón, de pronto, empezara a adelantarse a todo, a las palabras, al pensamiento, a la respiración. Uno mira distinto, espera distinto, interpreta demasiado, se queda atrapado en una frase mínima, en un gesto diminuto, en una pausa que quizá no significa nada y al mismo tiempo parece significarlo todo. Enamorarse, sobre todo cuando todavía se es muy joven, también se parece a una exposición involuntaria.