ESTRENOS DE CINE 2026

Hay franquicias que llegan a una segunda entrega con el único objetivo de repetir la fórmula, subir el volumen, agregar más colores, más personajes, más ruido, y confiar en que el entusiasmo previo haga el resto. Super Mario Galaxy hace algo un poco más interesante. Sí, es más grande, más rápida, más luminosa y más aparatosa que la primera, pero también entiende que llevar a Mario al espacio no consistía solo en cambiar el fondo del Reino Champiñón por un firmamento lleno de estrellas. Había que encontrar una nueva escala, una nueva sensación de aventura y, sobre todo, una nueva forma de traducir al cine ese asombro infantil que siempre ha acompañado a los mejores juegos de Mario, esa impresión de que detrás de cada puerta, de cada tubo y de cada planeta diminuto puede esconderse una idea visual encantadora o una trampa con sonrisa.

Hay películas que uno no ve, sino que aprende a ver dos veces. La primera, dejándose arrastrar por la maquinaria del relato, por la eficacia del dispositivo, por el espectáculo que avanza con la seguridad de quien sabe perfectamente cuándo debe apretar y cuándo conviene respirar. 

¿Qué salva realmente a una persona? ¿El amor romántico, esa promesa que el cine suele inflar hasta volverla destino, o algo más silencioso, más arduo, más verdadero? ¿Qué queda de nosotros cuando el error ya ocurrió, cuando el pasado no puede corregirse y, sin embargo, todavía late la necesidad de ser mirados de nuevo como humanos?

La premisa de El guardián: Último refugio parece diseñada para activar de inmediato el mito del héroe escondido. En una remota isla escocesa, un hombre que vive aislado del mundo rescata a una niña que aparece flotando en el mar. 

Hay algo profundamente desconcertante en el caso de Hoppers, porque todo en la película sugiere que debería haber conectado con el público, una premisa potente, una sensibilidad inusual dentro de la animación familiar reciente, un mensaje ecológico trabajado con más inteligencia de la habitual, y sin embargo la imagen de una sala casi vacía en su estreno parece resumir una paradoja incómoda, la de una gran película que llegó al mundo sin el impulso, la confianza ni la convicción comercial que necesitaba.

Hay películas que quieren dialogar con el mito, y hay películas que quieren reescribirlo con un megáfono. La Novia, la reinterpretación que dirige Maggie Gyllenhaal del universo de Frankenstein, pertenece claramente a la segunda categoría. Desde sus primeros minutos deja claro que no pretende ser una variación gótica del relato clásico, sino una declaración ideológica frontal, una obra que utiliza el mito para lanzar un discurso político muy contemporáneo.

Después de los intentos fallidos de Scream 5 y Scream 6, Scream 7 vuelve con ese toque noventero que nos encantó por razones muy simples, no pedía permiso para ser slasher, no fingía prestigio, y entendía que el terror también puede ser un parque de diversiones. Lo que se siente acá es un regreso a la energía de Woodsboro en “modo cápsula del tiempo”, adrenalina directa, guiños pop a quemarropa, y una película que celebra sus propias cicatrices con una sonrisa macabra.

Con esa primera decisión, la de no presentarse como “documental informativo” sino como experiencia, empieza EPiC: Elvis Presley in Concert. Baz Luhrmann vuelve a prender la chispa del Rey y hace lo que mejor le sale cuando se le alinean los planetas, convertir un mito en un espectáculo con identidad propia. Esto no va de “contarte quién fue Elvis”, va de ponértelo enfrente con un brillo renovado, como si el tiempo fuera un problema técnico que se puede ajustar con montaje, restauración, y pura pulsión cinematográfica.

Hay películas que te sientan frente a la historia como quien te sienta frente a un espejo, y no te dejan apartar la mirada. Nuremberg, El Juicio del Siglo arranca con esa clase de electricidad incómoda, la sensación de que el mundo entero contiene la respiración esperando una respuesta, no un discurso bonito, una respuesta de verdad.

¿Cuándo deja de funcionar una historia de amor? ¿En qué momento una intimidad compartida durante años se convierte en una rutina que ya no contiene a nadie? ¿Cuándo una pareja deja de ser una promesa y pasa a ser apenas una costumbre, una forma organizada del cansancio, una convivencia que todavía conserva gestos de ternura pero ya no sabe qué hacer con ellos? Y, más aún, ¿cómo se cuenta ese momento sin reducirlo a una simple crisis matrimonial, sin volverlo un expediente sentimental ya conocido, sin hacerlo encajar en esa linealidad tan tranquilizadora según la cual dos personas se conocen, se aman, se hieren, se separan y listo? ¿Está funcionando esto? parece interesarse justamente por esa zona más inestable, más difícil de narrar, esa en la que el amor no desaparece del todo, pero ya no alcanza para sostener la forma de vida que una vez construyó.

El terror estadounidense reciente ha aprendido algo que el género olvidó durante décadas de sustos mecánicos: a veces no hace falta mostrar al monstruo. Osgood Perkins pertenece a ese grupo de directores que parecen más interesados en filmar la grieta que en filmar la criatura.

El cine criminal suele vender una mentira muy eficiente. Hace creer que todo gira alrededor del golpe, del botín, del cálculo maestro, de la precisión quirúrgica con que un puñado de personajes intenta doblarle el brazo al sistema. Pero las mejores películas del género saben que el verdadero centro nunca está en el dinero.