ESTRENOS DE CINE 2026

En You Me in Tuscany (Italia-EE.UU. para salas, 2025), debut en el largometraje del realizador Claudio Norza, con guion de Rebecca Sonnenshine, la joven estadounidense de ascendencia afrolatina Zara (Halle Bailey, fresca y luminosa desde La Sirenita de Halle Bailey-Marshall 23) se adentra por error o por destino en el corazón de una familia toscana disfuncional y suntuosa, haciéndose pasar ante ella por la prometida de alguien que no conoce, para acabar enamorándose —con la inevitable y perfecta geometría romántica que el género ha cincelado desde Historias de Filadelfia (Cukor 40)— del hermano equivocado, encarnado por Regé-Jean Page, actor dotado de ese carisma escénico raro que no se fabrica en los talleres del guion sino que emerge directamente de los poros, y que ya demostró en Los Bridgerton (Netflix 20-) ser capaz de sostener escenas enteras con la sola arquitectura de su presencia.

Esta pelicula es oscura, retorcida, divertida cuando quiere serlo y devastadora cuando decide quitarte el aire. Tiene un tono que puede ser gracioso, incómodo, siniestro y profundamente triste en la misma escena sin que se rompa nada. Y tiene un director, Curry Barker, que entiende que el horror más fuerte no siempre está en el susto sino en la consecuencia. En ver cómo un deseo aparentemente romántico se convierte en una condena.No es solo una película sobre magia que sale mal. Es una película sobre lo peligroso que puede ser llamar amor a lo que en realidad es necesidad, posesión y miedo a estar solo. Y si alguna vez confundiste amar a alguien con querer que esa persona existiera solo para ti, esta película te va a pegar donde no esperabas.

Con tanta ternura acumulada y tanto dolor que no se anuncia, que a los veinte minutos ya tenía un nudo en la garganta.

Sin duda una de las experiencias más hipnóticas, brutales y descomunales que puede ofrecer una biopic musical reciente, porque hay momentos en los que Michael deja de sentirse como una simple interpretación y empieza a operar como una aparición, como si Jaafar Jackson no estuviera encarnando a Michael Jackson sino siendo atravesado por él, poseído por su energía, por esa manera irrepetible de quebrar el cuerpo, de mirar con una mezcla de fragilidad, magnetismo y dolor, de moverse como si el ritmo no viniera de la música sino de una corriente más profunda, más extraña, más grande que cualquier escenario. Esta es la historia de cómo una de las figuras más gigantescas que ha dado la cultura popular moderna es convertida en espectáculo cinematográfico a través de una película que entiende perfectamente la dimensión mítica de su protagonista, la escala sobrenatural de su presencia, y que por eso mismo no intenta reducirlo a la comodidad de una biografía convencional, sino elevarlo al terreno donde pertenecen las leyendas, los íconos absolutos, los nombres que no solo marcaron una época sino que prácticamente la redefinieron.

Hay franquicias que llegan a una segunda entrega con el único objetivo de repetir la fórmula, subir el volumen, agregar más colores, más personajes, más ruido, y confiar en que el entusiasmo previo haga el resto. Super Mario Galaxy hace algo un poco más interesante. Sí, es más grande, más rápida, más luminosa y más aparatosa que la primera, pero también entiende que llevar a Mario al espacio no consistía solo en cambiar el fondo del Reino Champiñón por un firmamento lleno de estrellas. Había que encontrar una nueva escala, una nueva sensación de aventura y, sobre todo, una nueva forma de traducir al cine ese asombro infantil que siempre ha acompañado a los mejores juegos de Mario, esa impresión de que detrás de cada puerta, de cada tubo y de cada planeta diminuto puede esconderse una idea visual encantadora o una trampa con sonrisa.

Hay películas que uno no ve, sino que aprende a ver dos veces. La primera, dejándose arrastrar por la maquinaria del relato, por la eficacia del dispositivo, por el espectáculo que avanza con la seguridad de quien sabe perfectamente cuándo debe apretar y cuándo conviene respirar. 

¿Qué salva realmente a una persona? ¿El amor romántico, esa promesa que el cine suele inflar hasta volverla destino, o algo más silencioso, más arduo, más verdadero? ¿Qué queda de nosotros cuando el error ya ocurrió, cuando el pasado no puede corregirse y, sin embargo, todavía late la necesidad de ser mirados de nuevo como humanos?

La premisa de El guardián: Último refugio parece diseñada para activar de inmediato el mito del héroe escondido. En una remota isla escocesa, un hombre que vive aislado del mundo rescata a una niña que aparece flotando en el mar. 

Hay algo profundamente desconcertante en el caso de Hoppers, porque todo en la película sugiere que debería haber conectado con el público, una premisa potente, una sensibilidad inusual dentro de la animación familiar reciente, un mensaje ecológico trabajado con más inteligencia de la habitual, y sin embargo la imagen de una sala casi vacía en su estreno parece resumir una paradoja incómoda, la de una gran película que llegó al mundo sin el impulso, la confianza ni la convicción comercial que necesitaba.

Hay películas que quieren dialogar con el mito, y hay películas que quieren reescribirlo con un megáfono. La Novia, la reinterpretación que dirige Maggie Gyllenhaal del universo de Frankenstein, pertenece claramente a la segunda categoría. Desde sus primeros minutos deja claro que no pretende ser una variación gótica del relato clásico, sino una declaración ideológica frontal, una obra que utiliza el mito para lanzar un discurso político muy contemporáneo.

Después de los intentos fallidos de Scream 5 y Scream 6, Scream 7 vuelve con ese toque noventero que nos encantó por razones muy simples, no pedía permiso para ser slasher, no fingía prestigio, y entendía que el terror también puede ser un parque de diversiones. Lo que se siente acá es un regreso a la energía de Woodsboro en “modo cápsula del tiempo”, adrenalina directa, guiños pop a quemarropa, y una película que celebra sus propias cicatrices con una sonrisa macabra.

Con esa primera decisión, la de no presentarse como “documental informativo” sino como experiencia, empieza EPiC: Elvis Presley in Concert. Baz Luhrmann vuelve a prender la chispa del Rey y hace lo que mejor le sale cuando se le alinean los planetas, convertir un mito en un espectáculo con identidad propia. Esto no va de “contarte quién fue Elvis”, va de ponértelo enfrente con un brillo renovado, como si el tiempo fuera un problema técnico que se puede ajustar con montaje, restauración, y pura pulsión cinematográfica.